La fiambrera de Teo

[Coronado]

Albert Freeman Jr. (1934-2012)

Ha muerto el actor Al Freeman Jr. a los 78 años. Fue Elijah Muhammad en “Malcolm X” (1992) y candidato al Emmy por “My sweet Charlie” en 1970 y “Raíces: Las siguientes generaciones” en 1979.

[Coronado]

Lucy Gallardo (1929-2012)

Lucy Gallardo falleció el pasado sábado a los 82 años en Los Angeles debido a una insuficiencia respiratoria, informó a EFE su hija, la actriz y presentadora Rebeca Rambal. La actriz, ganadora de dos premios Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, como mejor coactuación femenina en 1958 por "Bambalinas" y mejor actriz de cuadro en 1957 por "Con quién andan nuestras hijas", padecía de un enfisema pulmonar desde hacía varios años.



Rambal explicó que su madre ya estaba enferma en su último trabajo, la cinta "How the Garcia girls spent their summer" (2005), coprotagonizada por América Ferrera y Elizabeth Peña, y que tras finalizar el rodaje decidió retirarse definitivamente. La hija de la actriz, que hizo su estreno cinematográfico en la película "Ángeles de uniforme" (1949), dijo que los deseos de su madre eran que no se realizara ningún tipo de servicio religioso ni funeral y optó por un acto privado.

Gallardo, casada con el fallecido actor español Enrique Rambal, nació en Buenos Aires en 1929, aunque su carrera se desarrolló en México, donde trabajó en cine, teatro y televisión. Vivía en Los Ángeles desde hacía 25 años. La actriz llegó a México con una compañía teatral argentina y allí conoció a Rambal, que también estaba en el país en una de las paradas de una gira internacional de la compañía de teatro española en la que trabajaba. El matrimonio duró hasta la muerte del actor en 1971.

En su carrera cinematográfica destaca la película "El ángel exterminador" (1962), en la que actuó junto a su esposo bajo la dirección del aclamado director español Luis Buñuel. En su filmografía se encuentran películas como “¿Con quién andan nuestras hijas?”, “Bambalinas”, “El día de la boda”, “Juegos de alcoba”, “La bestia acorralada” y “Maten al león”. En el teatro, Gallardo trabajó en numerosas obras como "Los grandes Sebastiani" o "La mujer asesinadita", entre otras. La actriz participó en numerosas series de televisión y telenovelas, en las que también dejó su huella como guionista en las novelas "La extraña dama" y "Cosecharás tu siembra". También actuó en radionovelas y fue la matriarca en "La historia de quien soy", el primer programa en español producido en Los Ángeles por hispanos para el mercado latino en Estados Unidos.

[Coronado]

Phyllis Thaxter (1921-2012)



Phyllis trabajó en Broadway en la década de 1930. En 1944, firmó un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer. Su debut en el cine fue con Van Johnson en la película en tiempo de guerra “30 segundos sobre Tokyo” en 1944. En 1948, interpretó a la hija de un ganadero, junto a Barbara Bel Geddes, en “Sangre en la Luna”. En MGM retrató roles de esposa paciente de hombres que son autoridad. En 1950 se trasladó a Warner Brothers, pero por lo general jugó el mismo tipo de papeles con cintas como "Punto de ruptura" (1950), “El honor del Capitán Lex” (1952), "Guantes grises" (1952) o “El irresistible Harvey Orient” (1964). En 1962, se casó con Gilbert Lea. Estuvieron casados durante 46 años hasta su muerte el 4 de Mayo de 2008. En 1978, uno de sus últimos trabajos sería también el más recordado, el de Martha Kent en “Superman” de Richard Donner. Thaxter murió el 14 de Agosto de 2012 en Longwood, Florida, después de una batalla de nueve años con la enfermedad de Alzheimer.

[Coronado]

Joaquín Romero Marchent (1921-2012)

Artífice de uno de los mejores westerns rodados en España, “Antes llega la muerte”, autor de las dos primeras películas sobre el héroe de José Mallorquí, El Coyote, y director de doce capítulos de una de las series más exitosas de RTVE, “Curro Jiménez”, Joaquín Romero Marchent ha muerto en Madrid, a los 90 años. Miembro de una familia dedicada al cine, Joaquín Luis Romero Marchent (Madrid, 1921), introdujo en España, en la década de los años cincuenta, el western, en el que dejó su huella y para muchos fue el precursor, junto a Sergio Leone, del llamado spaghetti western, subgénero por el que fue más reconocido, aunque cultivó muchos géneros.



Hijo de Joaquín Romero Marchent Gómez de Avellaneda (director-propietario de la revista especializada “Radio Cinema” y de la productora Intercontinental Films), hermano de los actores y también realizadores Rafael y Carlos, y de la montadora Ana María Romero Marchent, y padre de la ayudante de dirección y script Nuria Romero, su nombre siempre ha estado vinculado a una profesión, en la que entró como meritorio, en 1946, con la película “El crimen de Pepe Conde”.

Auxiliar de dirección, segundo ayudante de dirección, primer ayudante de dirección a las órdenes de Luis Lucia, Francisco Rovira Beleta y José Díaz Morales, se estrenó como director en el 53 con el thriller “Juzgado permanente”, y dos años más tarde introdujo el western en el cine español, al relevar al mexicano Fernando Soler como director del díptico “El Coyote-La justicia del Coyote”, según la famosa creación literaria de José Mallorquí. A su visión de “El Zorro a la española” suma “Tres hombres buenos” y “El sabor de la venganza”, que fueron los inicios de los spaghetti westerns; la que han calificado como su mejor obra, “Antes llega la muerte”; “Aventuras del Oeste” y “Fedra West”. Estos trabajos propios se completan con las labores que hizo como coproductor y coguionista en filmes de su hermano Rafael y de directores italianos.

Joaquín Luis Romero Marchent, que apareció como personaje en la novela de Carlos Aguilar, “Coproducción”, contribuyó a una de las series televisivas de mayor éxito en la historia de TVE, “Curro Jiménez”. Escribió y dirigió doce capítulos de esta superpopular serie que ha sido vendida en todo el mundo y coronó a sus protagonistas Sancho Gracia, recientemente fallecido, Álvaro de Luna y José Sancho.

[simplementesimple]

De piedra me he quedado al leer esto
Tony scott (1944-2012)

El cineasta Tony Scott,
director de películas de
Hollywood de gran éxito,
como "Top Gun", "Days of
Thunder" y "Beverly Hills
Cop II" falleció el domingo, al saltar
de un puente del condado de Los
Angeles.
La muerte de Scott, de 68 años, era
investigada como suicidio, dijo el
forense del condado de Los Angeles,
el teniente Joe Bale.
Varias personas llamaron al número
de emergencia 911 a las 12:35,
después del mediodía para informar
que alguien había saltado del puente
Vincent Thomas entre San Pedro y la
Isla Terminal de Los Angeles, dijo el
teniente Tim Nordquist de la policía
angelina.
Un equipo de buzos de la Policía
Porturaria de Los Angeles recogió el
cadáver de las turbias aguas varias
horas después, agregó Nordquist.
Los restos de Scott fueron llevados a
la oficina del forense en Wilmington.
La teniente Jennifer Osburn, del
Servicio de Guardacostas de Estados
Unidos dijo al diario Daily Breeze que
se halló una nota de suicidio en el
automóvil de Scott, un Toyota Prius de
color negro, que estaba estacionado
en uno de los carriles del puente con
dirección este.
El carril ha sido cerrado mientras se
realiza la investigación.Scott, nacido
en Gran Bretaña, era hermano del
productor Ridley Scott.
Los dos hermanos eran propietarios
de la empresa Scott Free Productions
y trabajaban juntos en una película
titulada "Killing Lincoln" , en base a la
popular novela de Bill O'Reilly.
El filme "Prometheus" de Ridley Scott
fue todo un éxito durante este
verano. "Top Gun" , que tuvo a Tom
Cruise en el rol protagónico, fue una
de las películas de mayores ingresos
en 1986.
Ambos trabajaron junto nuevamente
cuatro años después en el éxito "Days
of Thunder" .
Scott trabajaba con frecuencia con
Denzel Washington, y su más reciente
filme fue sobre un tren a la deriva,
"Unstoppable" .
Scott y Washington colaboraron en
otros cuatro filmes: "Man on Fire" ,
Deja Vu " y " The Taking of Pelham 123
".
Un mensjae por tweet enviado el
domingo por el cineasta Ron Howard
decía: " No habrá más películas de
Tony Scott.
Día trágico ".Otra de las películas de
Scott fue " True Romance ", " Crimson
Tide " y " Man on Fire".Scott estaba
casado con la actriz Donna Scott.
Tuvieron hijos mellizos.

[Coronado]

En efecto, impactante noticia en un verano negro.

Tony Scott (1944-2012)

Como si fuera fruto de una adrenalítica escena de sus películas de acción, el final de Tony Scott no ha podido ser más cinematográfico (a la par que triste y doloroso). Esta madrugada sorprendía la noticia del suicidio del director y productor Tony Scott a los 68 años arrojándose desde el puente de Vincent Thomas, que une la localidad de San Pedro y la isla terminal de Los Ángeles, tras dejar una nota de suicidio en su coche. Al siempre criticado hermano de Ridley Scott, a pesar de haber conseguido una carrera más que exitosa, le corresponden notables cintas como “Top gun” y “Amor a quemarropa”, además de varios títulos de acción (convirtió a Denzel Washington en su actor fetiche en cinco películas como “Marea roja”, "El fuego de la venganza”, “Déjà vu”, “Asalto al tren Pelham 123″ e “Imparable”). Además, destaca su notable trabajo en la producción de películas y series como la valorada “The good wife”. Las últimas noticias procedentes de medios USA como la ABC señalan que a Tony Scott se le había diagnosticado un tumor inoperable en el cerebro, circunstancia que podría explicar su triste final. Su hermano Frank falleció también a causa del cáncer en 1980.



Las primeras relaciones de Tony Scott (siempre inconfundible protegido por su desgastada gorra roja) con la producción de cine no fueron detrás de la cámara, sino delante de ella. A los 16 años apareció en “Boy and bicycle”, un cortometraje que suponía el debut como director de su, por entonces con 23 años, hermano Ridley. Siguiendo los pasos de su hermano, Tony se graduó primero en West Hartlepool College of Art. Intentando convertirse en pintor, fue el éxito de la creciente compañía de producción de anuncios de televisión de su hermano, Ridley Scott Associates (RSA), la que cambiaría su atención hacia el cine.

Comenzó con proyectos publicitarios, algo que se notaría en su carrera, y, entre los títulos que barajó para debutar en el cine, se encontraba la adaptación de la novela de Anne Rice “Entrevista con el vampiro”, que entonces se encontraba en desarrollo. La MGM, sin embargo, tenía su propia historia de vampiros que ellos querían que Scott dirigiera, y después de no poder convencer a la compañía de dejar su proyecto y tomar en su lugar el de “Entrevista con el vampiro”, Scott de todos modos decidió aceptar el proyecto de la MGM, y usar en él todos los conceptos visuales de diseño que había desarrollado para “Entrevista con el vampiro”. En 1982, Scott empezó la producción de “El ansia” protagonizada por David Bowie y Catherine Deneuve como unos vampiros de la sociedad elegante de Manhattan, buscando desesperadamente una cura médica para frenar el rápido envejecimiento de Bowie. Con su remarcablemente bella fotografía y un suntuoso diseño de producción, además de la escena lésbica entre Catherine Deneuve y Susan Sarandon, “El ansia” fue una de las películas más singulares de 1983 y una de sus obras de culto.

Los productores Don Simpson y Jerry Bruckheimer, defensores de esta cinta de culto, le ofrecieron la posibilidad de encarar un proyecto comercial de envergadura como “Top gun”, a pesar de que tenían distintas opiniones sobre como encarar el proyecto: “Yo seguía hablando sobre ella en términos de películas como Apocalypse now o Mad Max 2. El guerrero de la carretera, lo que los asustó como si fuera el infierno. Proviniendo de un trasfondo artístico, mi sensibilidad tendía a ser un poco oscuras. Yo seguía pensando en términos de una carrera de aviones. Ellos seguían diciendo… No, no, no. Entonces, un día, caí en la cuenta. Entendí lo que ellos buscaban. No era Apocalypse now, era aviones plateados compitiendo contra el brillante cielo azul. Era rock and roll en el cielo”. La película consiguió 176 millones de dólares en 1986 y catapultó al estrellato a Tom Cruise. Tanto impacto popular tuvo la película que el ejército USA llegó a instalar mesas de reclutamiento en el hall de los cines. Después vendrían “Superdetective en Hollywood 2” (1987) con Eddie Murphy y “Revenge (Venganza)” (1990), un thriller adúltero con Kevin Costner y Madeleine Stowe que fue un fracaso.

Intentando repetir el éxito de “Top gun”, rodaría “Días de trueno” en 1990 con Tom Cruise en la piel de un temerario piloto de carreras. Después llegaría “El último boy scout” (1991), cinta dura y misógina con Bruce Willis, y “Amor a quemarropa” (1993) fruto de su encuentro con Quentin Tarantino que le presentó el guión de ésta y de “Reservoir dogs”. En esa especie de revisitación de “Bonnie and Clyde”, Scott demostró que era todo un especialista en el género de la acción juntando, además, a un buen reparto con Christian Slater, Patricia Arquette, Dennis Hopper, Val Kilmer, Gary Oldman, Brad Pitt, Christopher Walken o James Gandolfini.

Ya acomodado en un estilo, lo explotó con una gran tendencia al montaje epiléptico y a protagonistas patrioteros en cintas como “Marea roja” (1995), “Fanático” (1996), “Enemigo público” (1998), “Spy game (Juego de espías)” (2001), “El fuego de la venganza” (2004), “Domino” (2005), “Déjà vu” (2006), “Asalto al tren Pelham 123” (2009) e “Imparable” (2010). Cierta rutina en sus últimos trabajos centrados más en la acción que en la historia, aunque su última película fue considerada un proyecto infravalorado propio de la mejor serie B. La producción de series como “Numbers”, “La amenaza de Andrómeda”, “The good wife” o “Los pilares de la tierra”, así como documentales como “La vida en un día” o películas como “Prometheus”, contribuía a sacarle de este encasillamiento.

[Coronado]

William Windom (1923-2012)

El actor William Windom, ganador de un premio Emmy por “My world and welcome to it” y actor de la saga de “Star Trek”, murió a los 88 años a causa de una insuficiencia cardíaca, ha informado hoy el New York Times. Windom ganó el Emmy al mejor actor en una serie de comedia en 1970 por su actuación en “My world and welcome to it”, un programa basado en los ensayos humorísticos de James Thurber.



No obstante fue más conocido por papeles como el comodoro Matt Decker en “Star Trek” (1966) y como el doctor Seth Hazlitt, en la serie “Se ha escrito un crimen” (1984) en la que participó en más de 50 episodios junto a Angela Lansbury. A lo largo de su carrera participó en numerosas series como actor invitado, miniseries, dio voz a varios audiolibros y continuó apareciendo en películas hasta los 80 años, su último título fue “Yesterday's dreams” (2005).

Casado cinco veces, su última esposa y con la que permaneció hasta el final fue la escritora Patricia Veronica Tunder, con quien se casó en 1975 y tenían un hijo. Además era padre de otros tres hijos de dos matrimonios anteriores. Aficionado al ajedrez, al tenis y a navegar, Windom nació en Nueva York el 28 de Septiembre de 1923.

[Coronado]

Phyllis Diller (1917-2012)

La actriz y comediante estadounidense Phyllis Diller, quien en los años sesenta allanó el camino para las mujeres humoristas de Hollywood, ha fallecido en su casa Los Ángeles a los 95 años, ha informado su representante.



"Es una pérdida para el mundo. Murió esta mañana y su hijo Perry la encontró", ha señalado Milton Suchin, manager de la protagonista del show televisivo de los años sesenta “The Phyllis Diller Show”. "Estaba en su casa y murió con una sonrisa en su expresión. Era una verdadera pionera", ha agregado. La web TMZ apunta que la actriz había estado enferma en los últimos meses después de sufrir una caída que le dañó la cadera y la muñeca.

Su "protegida" Joan Rivers, una comediante estadounidense de 79 años que conduce el programa humorístico sobre la moda de las estrellas “Fashion pólice”, ha escrito en Twitter que está "profundamente triste" por la muerte de una artista a la que "adoraba". "La única tragedia es que Phyllis Diller fue la última de una era en la que se pensaba que la mujer tenía que lucir divertida para ser divertida", ha agregado. Diller se caracterizaba por su cabello revuelto y su estrambótico guardarropas. "Si comenzara hoy en día, Phyllis podría haberse dado a conocer vestida de Dior", ha comentado Rivers.

Phyllis Ada Driver, conocida como Phyllis Diller, nació en Ohio en 1917 y comenzó su carrera de humorista a los 37 años. Hasta ese momento, la madre de cinco hijos era un ama de casa. Pero su marido, Sherwood Diller, insistió en que presentara un espectáculo humorístico en un club nocturno. Su intervención tuvo tanto éxito que fue contratada por casi dos años. Luego tuvo su propio show de televisión, “The Phyllis Diller show”, y un programa de variedades llamado “The beautiful Phyllis Diller show”. Su última aparición en la pequeña pantalla se produjo cuando prestó su voz a la madre de Peter en la irreverente serie animada “Padre de familia”. También actuó en más de 30 películas, entre ellas “Vaya, me equivoqué de número” (1966) junto a Bob Hope.

[Melibea]

Una muy triste noticia la muerte de Tony Scott.
Es increíble la cantidad de míticas y buenas peliculas dirigidas o producidas por él.

DEP

[Coronado]

Bonito homenaje que brinda Ridley Scott a su fallecido hermano...

[Coronado]

Aurora Bautista (1925-2012)

Ha muerto a los 86 años Aurora Bautista, una de las grandes del cine y del teatro español. Esa gran generación algo olvidada por los espectadores actuales y a los que nuestra cultura debe tanto. La actriz ha fallecido por complicaciones fruto de una neumonía. Para el recuerdo su gran papel de Juana la loca en “Locura de amor” (1950), antes de que llegara Pilar López de Ayala en la versión de Vicente Aranda, o en “La tía Tula” (1964). Su último papel fue ese neorrealista, elegiaco y nostálgico personaje que le brindó José Luis Garci en “Tiovivo c. 1950”. La Bautista, a pesar de una carrera que fue espaciándose y reduciéndose conforme pasaban los años, tiene el honor de haber encarnado a grandes personajes femeninos de nuestra cultura, mujeres sufrientes, pero con una gran fortaleza y determinación.



Nacida en Valladolid en 1925, se traslada a Barcelona tras la Guerra Civil donde estudia teatro. Aunque no tenía intención de dedicarse al mismo como profesional, debutó en 1944 en la obra "La malquerida", de Benavente, con la compañía de Lola Membrives. Un año después, Cayetano Luca de Tena la contrató para trabajar en el Teatro Español de Madrid en la obra "El sueño de una noche de verano", de William Shakespeare. Dirigida también por Luca de Tena, actuó en "La conjuración de Fiesco", que se estrenó en 1948. Recomendada por Cayetano Luca de Tena al director Juan de Orduña ante su indudable talento, se enfrentaba al reto de ser una debutante y encarar el papel protagonista en la superproducción española del momento que iba a contar la historia de la reina castellana Juana la loca en “Locura de amor” junto a Fernando Rey.

Tal grande fue el éxito, mítica su frase “silenciooo, el rey duermeee”, que Cifesa y Juan de Orduña intentaron repetir el éxito con “Pequeñeces”, cosa que lograron en una cinta en la que la Bautista era la perversa Condesa de Albornoz. Completaría su particular trilogía de mujeres fuertes con misma productora y director en “Agustina de Aragón”, metiéndose en la piel de la revolucionaria que resiste ante las tropas francesas. El ritmo de trabajo de la época, y el rápido sistema de producción de aquellos años a pesar de las dificultades, se demuestra en el hecho de que las tres cintas citadas que convirtieron a Aurora Bautista en la actriz del momento datan de 1950. Un cine teatral y grandilocuente que encontró a su gran estrella femenina. Posteriormente destacan cintas como "Condenados" (1953), "La gata" (1955), "El marido" (1956) junto a Alberto Sordi, “Sonatas” (1959) de Juan Antonio Bardem ante la renuncia de Lucía Bosé, “Hay alguien detrás de la puerta” (1960) o “Teresa de Jesús” (1961), nuevamente con Juan de Orduña, que tuvo que enfrentarse a la censura por el intento de reflejar a la santa también en su perspectiva de mujer y en su contexto histórico. Años oscuros para la cultura, así como su expresión y difusión, que se manifiesta en la presencia constante de la guardia civil en las representaciones teatrales de “Yerma”, siendo la primera actriz que acometía el personaje lorquiano tras el fin de la contienda bélica en España. Bautista, siempre apasionada y quizás demasiado afectada en sus interpretaciones lo que provocó que terminara derivando en secundaria cómica, peleó más de una vez contra la censura intentando que sus personajes (aunque fueran pertenecientes de otra época) sirvieran para reflejar también la realidad cotidiana española del momento.

El teatro siempre fue el mejor refugio para una actriz enérgica y valiente a la hora de acometer sus trabajos que siempre se quedó con el regusto amargo de no tener mejores guiones tras sus años de esplendor y juventud. En cine volvería a tener unos años de esplendor en los 60 con “Las ratas” (1963) y con “La tía Tula” (1964), llevando al cine de la mano de Miguel Picazo la obra de Unamuno con esa mujer solterona de provincias que sufre la represión y el desdén de sus vecinos y allegados en un relato sobre la tiranía de una sociedad inculta y pacata y con la religión como principal coartación moral y vital. Sin duda, uno de sus personajes más memorables.



Llegan títulos como “El derecho de nacer” (1966), rodada en México fruto de vivir esos años allí al casarse y separarse del médico Hernán Cristerna, padre de su único hijo, y también encarna a Isabel la Católica en la miniserie "Cristóbal Colón" coproducida por TVE y la RAI. No funcionaría bien en su regreso a España “Pepe Doncel” (1969), como fallida adaptación de la obra de Jacinto Benavente, y queda como una bizarrada propia de aquellos años “Una vela para el diablo” (1973), cinta de terror gore en plenos años del destape junto a Esperanza Roy. También rodaría "Los pasajeros" (1975), junto a Paul Naschy, y "El mirón" (1977). Su estrella ya no brillaba como al principio de su carrera, pero seguiría ofreciendo secundarios memorables y emotivos como la priora de un convento del siglo XVI en “Extramuros” (1985) de Miguel Picazo, en “Divinas palabras” (1987), adaptando la obra de Valle-Inclán de la mano de José Luis García Sánchez, o “Amanece, que no es poco” (1989) de José Luis Cuerda. Sus últimos papeles en cine fueron “Adiós con el corazón” (2000), “Octavia” (2002) y “Tiovio c. 1950” (2004).

Apasionada del arte y de la vida, casada en segundas nupcias en 1989 con el empresario cubano Luis de Luis, fue consciente del olvido y del paso del tiempo que las nuevas generaciones tiraban como una losa sobre su figura. A pesar de ello, y de que su fallecimiento corra serio peligro de pasar demasiado desapercibido, no podemos más que tener un pequeño homenaje a la gran dama del cine y teatro español de los primeros 50 y 60 de este país. No fueron los años los que le dieron fama y prestigio, fue un talento juvenil ya evidente el que la catapultó en aquellas épocas como la gran estrella que con todo merecimiento es dentro de la historia de la cultura española. Una actriz, siempre generosa y esforzada a la hora de actuar, que tuvo que sufrir a lo largo de su carrera el sabor efímero de la fama y de un público olvidadizo e inconstante, además de padecer los vaivenes políticos y sociales de nuestro país en los últimos 60 años.

En los últimos años llegarían los homenajes por toda su carrera como el Fotogramas de plata en 2001, el premio del Círculo de Escritores Cinematográficos en 2008, o el premio de la Unión de Actores en 2010.

[Coronado]

Steve Franken (1932-2012)



Al actor Steve Franken lo hemos visto en muchos personajes secundarios, pero su máxima contribución al cine fue en la piel de ese camarero borrachín que encadenaba los mejores momentos de la divertida “El guateque” (1968) de Blake Edwards.

[Coronado]

Bernardo Bonezzi (1964-2012)



Uno de los nombres más destacados de la movida madrileña. Este compositor destaca por formar parte de buena parte de la filmografía de Almodóvar. Compuso más de cuarenta bandas sonoras, alcanzando un gran reconocimiento entre los profesionales del medio, y ganó un premio Goya por su trabajo en “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto” en 1996. Ha estado nominado en tres ocasiones más por las bandas sonoras de “Mujeres al borde de un ataque de nervios” en 1989, “Todo por la pasta” en 1992 y “Sin noticias de Dios” en 2002. Para la televisión compuso algunas melodías tan populares como la de “Farmacia de guardia”.

[Imogen]

Carlos Larrañaga (1937-2012)



El actor barcelonés Carlos Larrañaga ha muerto a los 75 años de edad en el Hospital de Benalmádena (Málaga) a causa de complicaciones en la "descompensación cardíaca" por la que había sido ingresado la semana pasada.

El actor, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, había sido ingresado el 20 de agosto en el hospital en el que fue operado el 9 de enero de un tumor en las vías urinarias y del que tuvo que ser intervenido en una segunda ocasión.

Larrañaga venía de una familia de actores: sus padres fueron la actriz María Fernanda Ladrón de Guevara y el actor Pedro Larrañaga, y la también actriz Amparo Rivelles es su hermana por parte de madre. Ello explica que con tan sólo cuatro años debutase en Alma de Dios, de Ignacio Iquino.
Apareció desde muy joven en el teatro y en la televisión de Cuba, donde se instaló con su familia. A su regreso a España se incorporó en el cine, siempre haciendo papeles de galán. Además de tener una filmografía muy extensa a sus espaldas, su actividad se ha centrado en otros campos como el teatro y la televisión.
En 1950 participó en la película Pequeñeces, de Juan de Orduña y en 1957 en Orgullo y pasión, superproducción de Hollywood rodada en España con Cary Grant, Sophia Loren y Frank Sinatra. Entre las cintas posteriores en las que apareció están: Ha llegado un ángel (1961), de Luis Lucia, y Las verdes praderas (1979), de José Luis Garci. Ha mantenido una continuada relación con Garci, tomando parte en otros filmes suyos: Tiovivo c. 1950 (2004), Luz de domingo (2007), por el que fue nominado a los Premios Goya, y Sangre de mayo (2008).
En teatro Carlos Larrañanaga ha intervenido, entre otras obras, en La cornada (1960), de Alfonso Sastre, Tengo un millón (1960), de Víctor Ruiz Iriarte, La tercera palabra y (1966) de Alejandro Casona.
En televisión, destacó su papel principal en Los gozos y las sombras (1982), junto a su hermana Amparo Rivelles, Eusebio Poncela y Charo López, y el que tuvo en Farmacia de guardia, exitosa serie de 1991-95 dirigida por Antonio Mercero, con Concha Cuetos. En 2009 y tras 18 años, volvió a interpretar el personaje de Adolfo Segura, protagonista de la serie, en un especial para conmemorar su vigésimo aniversario.

Se casó con la actriz María Luisa Merlo con quien tuvo cuatro hijos: Luis, Amparo, Juan Carlos Kako (de una relación anterior) y Pedro, casado con la actriz Maribel Verdú.
A parte de esta relación también estuvo junto a las tambien actrices Ana Diosdado y Ana Escribano.
En 1999 se separó de Ana Diosdado. Posteriormente mantuvo una relación con María Teresa Ortiz-Bau, con quien se casó en 2000. Tras separarse de nuevo en 2007 se volvió a casar, esta vez con la actriz Ana Escribano y nació su primera hija en común, Paula. El 12 de mayo de 2010, a sus 73 años anunció su divorcio de Ana Escribano.

[Coronado]

Lina Canalejas (1932-2012)

La actriz madrileña Lina Canalejas, famosa en los años sesenta por sus papeles protagonistas en películas como “El mundo sigue” o “La viudita naviera”, falleció este pasado sábado en una residencia de Tres Cantos tras más de nueve años de lucha contra el cáncer. Concepción Álvarez Canalejas tenía 80 años, informa la entidad AISGE de la que era socia desde 1996. La enfermedad había retirado a la actriz de los escenarios desde finales de los años 90, cuando se colocó por última vez delante de las cámaras para un pequeño papel en “Niño nadie” (1996), de José Luis Borau. Este domingo fue incinerada en la intimidad en el cementerio de Fuencarral.



Hija del concertista de violín Manuel Álvarez Trigo y nieta del ilustre pianista y compositor Arturo Canalejas, la pequeña Concepción comenzó a dar sus primeros pasos como bailarina clásica en plena posguerra, allá por 1943, cuando apenas sumaba 11 años. Pronto se integró en la compañía cómica de Zori, Santos y Codeso para el estreno de “La blanca doble” (1947), que obtuvo en la época un éxito arrollador. La joven Canalejas combinaba los pasos de baile con alguna breve intervención, y los directores de la compañía no tardaron en descubrir su talento como actriz. En “La vida en un bloc” (1952), dirigida por Ismael Merlo en el Teatro de la Comedia de Madrid, su nombre ya relucía en los carteles. A partir de ahí alternó las revistas (“Las cuatro copas”) con la comedia (“Prohibido suicidarse en primavera”, “Irma la dulce”) o alguna incursión dramática (“La casa de las chivas”, 1970).

El cine no tardó en llamar a su puerta. Desde “Así es Madrid” (1953) y “Tres huchas para Oriente” (1954) tuvo oportunidad de trabajar en cerca de cincuenta títulos. Los cinéfilos la recordarán, sobre todo, por su papel en “La viudita naviera” (Luis Marquina, 1963), junto a Paquita Rico y Arturo Fernández; y por la excelente “El mundo sigue” (1965), el tercer largometraje de Fernando Fernán Gómez como director. Película maldita por sus problemas con la censura, hoy se considera una de las obras cumbres de su autor. En ella, Fernán Gómez se enamoraba de Canalejas, concursante en un certamen de belleza y protagonista absoluta de la historia.

"Era una mujer corajuda y de carácter muy fuerte", la recordaba esta mañana su hermano, el también actor José Canalejas, de 87 años, y único integrante de la familia que la sobrevive. "Lina era una actriz muy verdadera e intuitiva, de esas personas a las que el arte les sale de dentro", relataba José, que tras la posguerra hizo oposiciones para la Caja de Ahorros en Madrid pero no tardó en fundar un cuadro artístico. Lina Canalejas estaba viuda y no deja hijos.